Diese Beteiligung sah dann so aus, dass jedem Act genau eine Stunde gegeben wurde, um aufzubauen, Soundcheck zu machen und einen Song live einzuspielen – ohne Overdubs oder andere Tricksereien. Und das alles in sehr speziellen Locations. Die Live-Darbietungen fanden in jeder Stadt in einem Haus statt, das zum Abriss bereit stand. Die Geschichte des jeweiligen Hauses und Bilder vom Abriss bildeten dann auch die erzählerische Klammer eines jeden Films.

Insgesamt sechs Filme sind auf diese Art entstanden. Fünf davon haben es bisher an die Öffentlichkeit geschafft. Die Aufnahmen aus Louisville befinden sich immer noch in der Postproduction. Ob sie jemals da raus kommen, kann niemand sagen.

Vergänglichkeit und Zeitlosigkeit

Die fünf veröffentlichten »Burn to Shine«-Filme jedenfalls sind allesamt sehr besondere Abhandlungen zum Themenkomplex Vergänglichkeit und Zeitlosigkeit, was dann ja auch wieder dazu passt, dass mich diese Filme immer wieder einsaugen und auch nach fast zwei Jahrzehnten nichts von ihrem Schmackes eingebüßt haben.

Wer diesem eher philosophischen Unterbau nichts abgewinnen kann, wird auch so mit einer riesigen Menge grandioser Live-Darbietungen versorgt. Den Anfang machten Green und Canty gleich in der gemeinsamen Stadt Washington DC. Dort bestens musikalisch vernetzt, machte der Fugazi-Drummer direkt selbst den Kurator und scharte Künstler wie Bob Mould, Ted Leo oder Q and Not U um sich. Und auch an den anderen Orten haben eine Menge toller Musiker:innen mitgemischt. Wie schön, dass sich alle fünf veröffentlichte Teile bei YouTube finden lassen.

Voilà, die »Burn to Shine«-Folgen:

Washington DC

Gedreht: 14. Januar 2004
Kurator: Brendan Canty
Beteiligte Künstler:innen: Q and Not U, Medications, Garland of Hours, French Toast, Ted Leo, Weird War, The Evens, Bob Mould

Chicago

Gedreht: 13. September 2004
Kurator: Bob Weston
Beteiligte Künstler:innen: Lonesome Organist, Pit Er Pat, Shellac, The Ponys, Wilco, Tight Phantomz, Freakwater, Red Eyed Legends, Tortoise

Portland

Gedreht: 15. Juni 2005
Kurator: Chris Funk
Beteiligte Künstler:innen: The Thermals, Quasi, The Planet The, Mirah, Sleater-Kinney, The Ready, The Lifesavas, The Shins, The Decemberists, Wet Confetti, Gossip, Tom Heinl

Seattle

Gedreht: 27. Januar 2007
Kurator: Ben Gibbard
Beteiligte Künstler:innen: Spook the Horse, Harvey Danger, Tiny Vipers, Blue Scholars, Dave Bazan, Ben Gibbard, Eddie Vedder, Minus the Bear, The Cave Singers, The Long Winters, Kinski, The Can’t See, Triumph of Lethargy Skinned Alive to Death, Jesse Sykes & the Sweet Hereafter

Atlanta

Gedreht: 29. Juli 2007
Kurator: Lee Tesche
Beteiligte Künstler:innen: Shannon Wright, The Selmanaires, The Liverhearts, Deerhunter, Black Lips, Delia Gartrell, The Mighty Hannibal, The Carbonas, The Coathangers, The All Night Drug Prowling Wolves, Snowden, Mastodon

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Und so schlug er vor, dass sich alle Interessierten zu einem festgelegten Termin – 22 Uhr UK-Zeit war die Ansage – bei Twitter treffen sollten, um gemeinsam eine vorher angesagte Platte zu hören, Eindrücke und Erinnerungen auszutauschen. Ob von CD oder Vinyl, ob beim Musikanbieter gestreamt oder auf Youtube gefunden: Die Art des Tonträgers sollte dabei egal sein, einzig wichtig war der gleichzeitige Start der Platte. Doch damit nicht genug, die jeweiligen Künstler sollten nach Burgess Vorstellung auch dazu kommen, um ihre Perspektive auf das jeweilige Werk zu offenbaren – mit Fotos und Geschichten aus dem Studio, mit Details zum Songwriting, mit einfach allem, was sie für passend halten würde. Den Anfang machte Tim Burgess dann gleich selbst. Am 23. März plauderte er abends um 23 Uhr unserer Zeit rund um das Album »Some Friendly« seiner Charlatans aus dem Nähkästchen.

Die unter dem Hashtag #timstwitterlisteningparty veranstaltete Nummer flog von der ersten Sekunde. Ruckzuck folgten weitere Termine. Gleich in der ersten Woche waren Franz Ferdinand und deren gleichnamiges Debüt mit von der Partie, dann Blur mit »Parklife«, Ride mit »Going Blank Again« und Oasis mit »Definitely Maybe«. Mehr und mehr Künstler fanden Gefallen an dem Format und wollten auch mittun. Und was für Kaliber! Von den Lightning Seeds bis Slowdive, von Cornershop bis Mogwai, von den Cocteau Twins bis zu den Chemical Brothers, von The Fall bis zu den Sleaford Mods. Nach kurzer Zeit war der Kalender derart voll, dass an manchen Tagen mittlerweile drei Platten gemeinsam gehört werden – um 20, 21 und 22 Uhr britischer Zeit. Bis Ende April sind die Termine straff durchgetaktet. Weitere Acts stehen bereit und müssen noch einen passenden Termin finden.

»Together Apart« lautet das Motto, das auch auf der mittlerweile eingerichteten Website zu Tims Twitter Listening Parties steht. Und das sind keine leeren Worte. Die Musik verbindet Menschen rund um den Globus. Über 11.000 Menschen haben sich gemäß einer semi-repräsentativen Umfrage bislang an mindestens einer Listening Party beteiligt, haben Zerstreuung gefunden, sich von den Lockdown-Umständen vor der eigenen Tür ablenken lassen. Alles nur, weil Tim Burgess eine Idee hatte und diese zu einer wirklich großen Sache werden ließ.

Ich habe selbst schon an der einen oder anderen Listening Party teilgenommen und kann dieses Format nur empfehlen. Die kommenden Highlights aus meiner Warte: Beta Band, Pulp, New Order, Suede, Libertines, Ash, Style Council. Alle innerhalb der nächsten fünf Tage. Demnächst dann Supergrass, Pogues, Billy Bragg … Danke, Tim Burgess!

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Für den Geschassten eröffneten sich andere Career Opportunities: Er wurde erst Postbote, arbeitete dann für Joe Strummer und die Mescaleros und verewigte seine Erlebnisse mit der Band nach deren Ende in einem Buch. Als die BBC im Jahr 2018 für eine Podcastreihe und drei geplante Kurzfilme über The Clash auf der Suche nach Fan-O-Tönen war, baten die Redakteure den ausgewiesenen Strummer-Spezialisten um Hilfe. Und wie der half.

Er schleppte derart viele Erlebnisse und Erinnerungen von Fans aus aller Welt an, dass nach dem Ende der Podcast-Produktion noch etliche Geschichten unangetastet blieben. Davie schnappte sich das gesamte Material und machte ein Buch daraus. Die englischsprachige Fassung von »This is Joe Public speaking« erschien im Januar 2019. Danach machte sich sein Herausgeber selbst auf die Suche nach Hilfe. Für eine deutsche Fassung seines Buchs brauchte Anthony Davie Übersetzer. Warum also nicht wieder auf die schier unendlichen Ressourcen der weltweiten Clash-Fans zurückgreifen und dadurch Kosten sparen? Schließlich sollten auch die gesamten Erlöse des deutschen Buchs einem guten Zweck zukommen – wie schon die des englischen Originals.

Das ist ungefähr die Stelle, an der ich auf das Buch aufmerksam wurde; wieder einmal dank Johnny Häusler. Drüben auf Spreeblick erzählte der im Februar 2019 von Davies Suche nach Übersetzern. Ich schrieb Anthony Davie an und war im Boot. In der Folge erhielt ich den Text eines kanadischen und den eines US-amerikanischen Fans, die ich nach der Übersetzung wieder ablieferte. Wie schon sämtlichen Autoren, so wurden auch uns Übersetzern keinerlei Vorgaben gemacht. Mein kanadischer Autor war eher von der kurzen, knackigen Sorte, der Amerikaner holte etwas weiter aus. Ich hielt die jeweilige Übersetzung möglichst nah am Ton und Stil des Originals.

Beim Blick in das fertige Buch lässt sich behaupten, dass es wohl die meisten Übersetzer so gehalten haben. Auch die im vergangenen Oktober veröffentlichte deutsche Fassung von »This is Joe Public speaking« lebt von ihrer Vielfalt: von unterschiedlichen Sprachstilen, von Texten im Stakkato-Rhythmus eines Punk-Konzerts und von puzzlehaft zusammengefügten Erinnerungsbruchstücken, von liebevoller Selbstironie sanft gealterter Punks und von sehr pointiert erzählten Anekdoten, von Hymnen voll grenzenloser Bewunderung und einer stellenweise auch kritischen Haltung, vor allem gegenüber der Clash-Spätphase. Das eine oder andere Spoken-Word-Kunststück bildet dann die Kirsche auf der Sahne.

Vermutlich weht ein Hauch von Gschmäckle mit, ein Buch derart zu loben, an dessen Entstehung man ein Stück weit selbst beteiligt war. Aber letzten Endes bin ich halt auch Clash-Fan. Und als solcher fühle ich mich von diesen knapp 250 Seiten ganz hervorragend unterhalten. Okay, das Bildmaterial könnte etwas reichhaltiger sein. Aber ansonsten bleiben The Clash auch bald 40 Jahre nach Anthony Davies Abend im Hammersmith Palais mitreißender als die Polizei erlaubt.

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Immer noch geht das Festival auf eben dieser Wiese über die deutlich gewachsene Bühne. Überhaupt, gewachsen: In diesem Jahr waren es und 9.000 Besucher, die sich an zwei Tagen von zumeist harten Gitarren, von Punk, Hardcore und knackigem Rock verwöhnen ließen. Mittlerweile bietet das »Green Juice« auch die Möglichkeit, vor Ort zu campen. Und genauso schön wie es 2018 war, soll es eben auch 2019 weitergehen. Das Datum steht schon einmal fest: Die zwölfte Festivalauflage wird am 16. und 17. August 2019 stattfinden. Die Veröffentlichung erster Namen der insgesamt zwölf teilnehmenden Bands wird pünktlich zu Nikolaus vorgenommen werden. Gut einen Monat vor dem 6.12. dürfte aber ohnehin klar sein, wohin auch diesmal die Reise musikalisch gehen wird: nach vorne. Auf die Zwölf, eben.

Darum können Freunde der gepflegten Ballerei im Grunde jetzt schon mit dem Ticketkauf beginnen. Support your local music scene und so. Ab dem 1. November, Punkt 17 Uhr, sind Karten für das »Green Juice 2019« zum Beispiel unter shop.foriskentertainment.de, bei bonnticket.de oder völlig analog an entsprechenden Vorverkaufsstellen zu bekommen.

Ein Fest für frühe Vögel

Jetzt schon zuzuschlagen, lohnt sich im Übrigen auch mit Blick auf das eigene Portemonnaie. Zum Vorverkaufsstart gibt es ein begrenztes Kontingent an stark rabattierten Tickets. »Wir wollen uns damit bei den Leuten bedanken, die dem Green Juice seit Jahren treu sind«, erklärt Organisator Julian Reininger stellvertretend für seine Mitveranstalter. »Es ist super wichtig für das Festival, dass die Fans uns so gut unterstützen!«

Wochenendtickets für beide Festivaltage kosten im rabattierten Kontingent 19,90 Euro, danach 34,90 Euro. Kombitickets, die auch den vom 15.08. bis 18.08. geöffneten Campingplatz einschließen, gibt es zum VVK-Start für 44,90 Euro. Später kosten sie 59,90 Euro. Kann man also definitiv mal machen.

Weitere Informationen finden sich auf der Webseite oder der Facebookseite zum Festival. Aus dem Pressebereich eben dieser Webseite stammen auch die beiden hier verwendeten Bilder.

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Ihre ersten bemerkenswerten Schritte als Musikerin hat Poppy Ackroyd quasi im Verborgenen unternommen – zumindest dem Namen der Formation nach. Bis heute ist sie Teil des Hidden Orchestra, kreiert mit dem Ensemble um den britischen Bassisten Joe Acheson vor allem live musikalische Weiten zwischen moderner Klassik und Elektronik. Wer jedoch über derart viel kreative Energie verfügt wie die in Brighton lebende gebürtige Londonerin, kommt mit »nur« einem Weg nicht aus, diese Energie in Klang zu verwandeln. Folgerichtig pflegt Poppy Ackroyd noch verschiedene andere Kooperationen, komponiert Filmmusik oder untermalt Tanzperformances und Theaterproduktionen mit Musik.

Vor allem aber unterhält sie seit der Veröffentlichung ihres Debüts »Escapement« im Jahr 2012 eine Solo-Karriere, die mit jedem neuen Album an künstlerischer Weite zunimmt. Spätestens mit dem Anfang Februar erschienenen »Resolve« ist sie in die Top-Liga der experimentellen Neo-Klassik vorgestoßen. Getrost darf man sie in einem Atemzug mit Hauschka, Olafur Arnalds oder Nils Frahm nennen.

Komposition als Schichtarbeit

Die vielfältigen Möglichkeiten der Musik hat sie schon in ihrer Kindheit kennengelernt. Daheim in London lief von Bob Dylan bis Schubert, von Chopin bis zu den Rolling Stones ein immer wieder wilder Mix. Ackroyds Interesse war geweckt. Intensivem Unterricht an Klavier und Geige als Teenagerin folgte ein Pianostudium an der University of Edinburgh, nach dessen Ende sie sich dem Hidden Orchestra anschloss. Eine Möglichkeit, eigene Ideen und Vorstellungen umzusetzen, fand sie jedoch vornehmlich im alleinigen Arbeiten. Schon ihre erste Platte überraschte durch ihren absolut eigenständigen Sound und hohen Wiedererkennungswert. Seither hat Poppy Ackroyd den Horizont ihrer Klangwelt immer weiter geöffnet, ohne die Eigenständigkeit zu verwässern.

Was ihre Art zu komponieren angeht, ist die Britin eine sehr besondere Sorte von Schichtarbeiterin. Mittels elektronischer Dopplung und Overdubs lagert sie Klang auf Klang. Diese Klänge selbst wiederum stellt sie vornehmlich auf eben Piano und Geige her. Und das mit einer immensen Experimentierfreude. Am Ende fungieren ihre beiden Vorzeigeinstrumente (neben Spinett und Harmonium) ebenso als melodiegebende Instrumente, wie als Rhythmuswerkzeuge.

Plektren, Drumsticks, die aus der Box zurückschlagende Schwingung: Mit allem, was zweckmäßig erscheint, bearbeitet und manipuliert Poppy Ackroyd Saiten oder Korpus, lässt den dabei entstehenden Klang verfremden, durch Loops laufen oder mit anderen, bereits kreisenden Sounds ein Wechselspiel eingehen. Schicht auf Schicht auf Schicht entsteht so der Ackroydsche Trademark-Klang.

Wortlose Erzählgewalt

Erstaunlich eingängig ist das, was sie auf diesem Wege kreiert. Bei allem analogen und elektronischen Basteln steht letztlich doch die Vermittelbarkeit der Musik im Fokus. Und live dann auch ein wenig das Verwöhnen des Auges. Bei ihren Konzerten lässt Ackroyd ihre Musik häufig von Installationen des Lichtkünstlers Tom Newell optisch verstärken.

Im Zusammenspiel zwischen den Klangwelten Ackroyds und dem Lichterspiel Newells, der unter dem Künstlernamen Lumen firmiert, entwickelt sich eine immense Erzählgewalt, die völlig ohne Worte auskommt und wie ein Tor zu einer anderen Dimension funktioniert. Wer sich darauf einlässt, kann sich komplett einsaugen lassen und zumindest für die Dauer eines Konzerts dem Stress entkommen. Ende Februar böte sich dafür auch in Bonn die Gelegenheit. Am 23. Februar ist Poppy Ackroyd zu Gast in der Bundeskunsthalle.

Dieser Artikel erschien ursprünglich in der Februarausgabe des Bonner Stadtmagazins Schnüss. Das Foto von Poppy Ackroyd entstammt dem Pressematerial zur Veröffentlichung ihres aktuellen Albums.

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